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Lo extraño de la noche japonesa

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Es realmente complicado empezar a escribir una reflexión sobre un autor en el que hay tantos ojos puestos. Un autor que ha estado nominado al nobel un par de veces.  ¿Cómo enfocar esta reseña? Es el primer libro del autor que trato en una reseña, y he leído unos cuantos. Mi intención por lo tanto es intentar desmitificar la figura de “gran autor”, esa figura que a veces tendemos a agrandar nosotros mismos con elogios e impresiones. Al fin y al cabo es solo una persona, solo un escritor, pero lo que a mí me interesa no es su persona (no creo que llegue a leer su biografía) sino su obra. Por lo tanto vamos a intentar olvidar a Murakami como mito y vamos a tratar sus libros como producción literaria.



Esto no es más que una forma para que yo pueda perder el miedo a lanzarme con esta reseña. A no preocuparme por decir lo correcto, lo que voy a hacer es comentar mis propias percepciones. Este libro lo empecé y acabé durante mi periplo en Japón. Fue un hecho a propósito, quería leer algo de literatura que hablara sobre las personas de ese país, sobre las relaciones sociales actuales. Algo moderno, sin yokais ni onis. Fue todo un acierto. Mi visión respecto a la vida urbana en la ciudad era de fascinación, pero este libro despertaba una voz en mi conciencia. Por cada persona que me cruzaba mil ideas brotaban en mi cabeza. Gracias a este libro.

He de decir que si queréis leer un libro donde conocer más de la cultura nipona, no recomendaría After Dark. Es cierto que nombra muchos aspectos de su sociedad, y algunas sobre la cultura y relaciones sociales, pero los personajes de Murakami y en especial de esta novela son arquetípicos y contrarios al estereotipo del Japonés educado, respetuoso y servicial que tenemos en nuestra cabeza. After Dark está plagado de habitantes de la noche. Humanos que viven cuando el resto están dormidos. Atormentados y misteriosos. Personajes introvertidos que huyen de las relaciones sociales comunes que se dan en situaciones diurnas.

Recuerdo que en Japón, a pesar de ser setiembre se ponía el sol muy pronto, y la gran mayoría de locales cerraban sobre las 18h. A partir de las 20h ya no hay mucha gente por la calle, a menos que vayas al centro de la ciudad, donde los pubs, karaokes y restaurantes 24h estallan en mil colores. La noche en Japón no es de neón. La noche en Japón es negra, oscura, con barrios que sí son de neón, donde las personas que viven la noche acuden como luciérnagas. En After Dark los personajes viven unas cuantas horas de la madrugada de Tokio. Así son nuestros personajes. Una lectora que pasa la noche en un café. Un músico de Jazz que ensaya por las noches en un local con sus amigos. Una mujer que regenta un Love-Hotel. Una chica que duerme profundamente. Una prostituta atormentada…

Nuestra protagonista principal, es Mari, la chica que lee en un café, esperando a que se haga de día, pues no puede, ni quiere dormir. En ese café se encontrará con el chico que es músico y con la mujer que regenta el Love-Hotel. Un lugar de encuentro. El Love-Hotel es el segundo punto de encuentro alrededor del cual los personajes van a girar.

Algo que nos asalta mientras vamos leyendo es una desoladora sensación de soledad. Los personajes están completamente solos en medio de la basta noche. De hecho, desean estar solos, y aunque sus espacios se van tocando con los de otras personas, sus personalidades son totalmente solitarias. La ambientación es sórdida y austera. Apenas sabemos que hay al alrededor, como si toda la novela estuviera envuelta en una densa nube de desconcierto.

Haruki Murakami cuenta una historia común, algo que nos podría pasar a todos, pero su prosa hace que sea imposible dejar de seguir esa historia. Una chica que pasa la noche en un bar porque  la relación con su hermana se ha deteriorado. La regente del Love-Hotel vive su día a día con aparente normalidad, aunque con el pasado siguiéndola de cerca. Como estigmas en su vida.

Pero hay algo más, algo inusual. Murakami introduce algo que no podemos definir. ¿Paranormal? ¿Onírico? ¿Metáfora? Algo ocurre con la hermana de Mari, ella duerme de una forma profunda, no puede despertar y un televisor frente a ella se enciende, lentamente. Un rostro aparece allí y la observa. Una escena que estará relacionada o no, depende de lo que nosotros interpretemos con nuestra lectura, con las acciones que ocurren en el café y en el Love-hotel. ¿Son por lo tanto, dos mundos diferentes? Existe un mundo “real” y uno “paralelo” ¿O ambos forman parte del mismo? Quizá un mundo entre mundos. No diré que no existe pues si la chica que duerme “está” allí, es que existe.

El mundo entre mundos es especialmente perturbador, espeluznante. A la vez es fascinante, queremos saber más y nos adentramos en el televisor, sin darnos cuenta. Nosotros también queremos mirar más allá y queremos perdernos.

Murakami juega con nuestra curiosidad. Introduciendo un mundo aparentemente normal, va añadiendo elementos que no encajan con esa realidad, elementos que intentamos colocar como piezas de puzzle, pero que quedarán sueltas, dando vueltas en nuestra cabeza durante mucho tiempo.

Mi última reflexión con esta novela es que Murakami nos quiere enseñar que cada uno tiene una gran historia para contar, un mundo entero que mostrar. Las relaciones sociales, permiten a nuestros personajes mostrar parte de este mundo con pequeñas y esporádicas conversaciones. Un abismo se abre ante nosotros. El vértigo se apodera de nuestra imaginación, volviéndola curiosa pero prudente. Hay un hilo que lo relaciona todo. Todo está conectado. Pero esto, dejaré que lo descubráis vosotros mismos leyendo esta obra. Corta pero intensa. Personalmente, creo que es de lo mejor que he leído de Murakami.


Todo esto me ocurrió durante las lecturas que realicé en Japón. Siempre antes de ir a dormir. Cuando cerré el libro sentí que yo formaba parte de ese mundo entre mundos, que yo también tenía un mundo entre mundos. Sentí que cada persona que me cruzaba era un mundo entero repleto de ideas, cicatrices y abismos. Y sentí pánico y vértigo de asomarme a uno de esos vastos mundos.



La trilogía de la deflagración

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Las consecuencias de algo tan terrible como aniquilar una ciudad en cuestión de segundos producen un eco que se repite a lo largo de los años con tanta intensidad que es difícil pasar por alto. Hoy, 6 de agosto de 2015, a las 8:15h, hace 70 años que Little Boy cayó sobre la ciudad de Hiroshima, arrasando varios kilómetros cuadrados en cuestión de segundos e incendiando e irradiando muchos más. Probablemente yo no sea el más adecuado para hablaros con congruencia de este hecho, por lo que os recomiendo leer algunos artículos muy interesantes que se están enlazando hoy, como el publicado en Actualidad.RTdonde se cuestionan el por qué EE.UU. no recibió ninguna sanción ante tal masacre titulado “'Lecciones no aprendidas de la guerra nuclear'. O este artículo de The Guardian. 70 años del ataque a Hiroshima y Nagasaki”. Pero mi homenaje no viene a ser de cuestión histórica, sino literaria. Un día como hoy es perfecto para recoger una pequeña joya literaria que a menudo pasa desapercibida en las estanterías. Flores de verano, de Tamiki Hara, es un libro breve, de pocas páginas, pero que consigue horrorizar de tal manera que su lectura se alarga. Se hace complicado seguir la lectura de tales atrocidades y no sentirse conmovido, aterrorizado. La crudeza con la que Tamiki Hara describe lo que vivió en Hiroshima deja huella en el alma, una voz más cuyo eco resuena en la historia cada vez que nos sumergimos en sus palabras.



Impedimenta tiene entre su catálogo auténticas joyas de la literatura cuyo buen criterio ha ayudado a que podamos hoy leer, la ya citada, Flores de verano de Tamiki Hara. Tamiki Hara era un escritor poco conocido antes de 1945. Se graduó en liteartura inglesa en 1932.  Su pasión era la literatura rusa y la escritura, su vida era anodina aunque estaba salpicada de compromiso político pues había militado para movimientos de la izquierda. Sobrevivió a un intento de suicidio y se casó en 1933 con Nagae Sadae. Da clases de inglés en Tokio hasta la muerte de su mujer en 1944 por tuberculosis y en enero de 1945 vuelve a Hiroshima a la casa de su familia. Fue por esta cadena de hechos que hoy tenemos el escalofriante testimonio titulado como Flores de verano. El testimonio de Tamiki Hara es contundente y directo, sin florituras. Descarnada, tal y como fueron los hechos que tuvieron lugar aquel día. Esta obra se compone de tres textos que podrían denominarse como relatos testimoniales, ya que lo que Tamiki Hara nos cuenta ocurrió y él lo vivió en primera persona. ‘Preludio a la aniquilación’, ‘Flores de verano’ y ‘De las ruinas’. Estos relatos son el antes, el durante y el después, respectivamente, de la catástrofe de Hiroshima. Tamiki Hara hace el papel de narrador y de protagonista de esta singular trilogía. ‘Preludio a la aniquilación’ resume los ocho meses que vive el autor en Hiroshima, antes de la explosión nuclear. ‘Flores de verano’ describe con detalle la desolación y deflagración de la explosión y los días posteriores. ‘De las ruinas’ es una reflexión a lo vivido en Hiroshima. Esta trilogía fue publicada originalmente como relatos independientes, ‘Flores de verano’ salió en una revista universitaria en 1947, ‘De las ruinas’ un año y medio más tarde y ‘Preludio a la aniquilación’ se publicó en enero de 1949. Impedimenta ha decidido publicar la trilogía en orden cronológico, todo un acierto para el lector occidental, ya que ayuda a la comprensión del texto.



Centrándonos en los textos, ‘Preludio a la aniquilación’ es una calma que precede a la tempestad. Tamiki Hara nos narra su vivencia en la ciudad de Hiroshima y como los japoneses viven en una falsa normalidad. Las escuelas siguen abiertas, la gente sigue sus quehaceres diarios, pero de vez en cuando suenan las alarmas y caen las bombas. A veces solo son falsas alarmas. El agobio y la tensión se van condensando en el relato, los habitantes luchan por aparentar normalidad, pero viven aterrorizados ante la sombra de la muerte desde el cielo. Hiroshima, por entonces, no era un blanco especialmente potente para los bombardeos aliados, y eso los habitantes lo saben. No sufren lo que está sufriendo Tokyo. Esto les permite cierta relajación que no tendrían en otra ciudad. En Hiroshima se vive con cierto desasosiego y calma. Sentimientos que cristalizaron el 6 de agosto de 1945.

‘Flores de verano’ fue escrito tras la explosión nuclear. Tamiki Hara cuenta que en aquel momento estaba en el retrete y eso le salvo de la onda expansiva que destruyó por completo su casa. El autor describe su desesperado y confuso intento de sobrevivir, cuyos pensamientos pasan de salvaguardar su propia vida a qué habrá ocurrido a sus familiares. Es chocante ver lo mucho que Tamiki Hara buscaba sobrevivir a toda costa. El autor nos describe los horrores que vio entonces. Cadáveres calcinados, personas desfiguradas por las quemaduras, muertes casi espontáneas debido a la radiación,  los ríos evaporados, la sed, la destrucción, los pedazos mutilados de personas, los llantos, los gritos y después, el silencio. ‘De las ruinas’ narra los siguientes meses a la bomba atómica. Y no, no se trata de reconstruir, se trata de enterrar a los muertos, de sufrir todavía más bajas por la radiación, de las enfermedades y de la desesperación ante la nada. Es espeluznante leer la estupefacción de Tamiki Hara ante la “llanura” que ha quedado donde antes había un barrio entero de casas. En concreto, cuando describe como el mástil de una casa ha quedado de forma precaria, sujetando partes del techo, como una metáfora de los ciudadanos japoneses en aquel momento, partidos, heridos y derrotados.

Hay una reflexión que el autor escribe en esta obra, en otras palabras dice algo así como que los japoneses de Hiroshima, al caer la bomba nuclear, sintieron cierto alivio. Aquello significaba el final de la guerra, significaba que ya no tenían que tener miedo a más ataques, a más bombardeos. Habían perdido, ahora tocaba reconstruir. Hoy es un día perfecto para recuperar esta obra, os invito a que leáis el testimonio de Tamiki Hara y que viváis junto a él las atrocidades que tuvieron lugar hace 70 años. Es una obra imprescindible.


Por desgracia, hechos como el de los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki han sido el crisol de una cantidad impresionante de obras artísticas de todo tipo, e incluso hoy en día es una oscura fuente de inspiración. No tendríamos el relato de Tamiki Hara, ni tendríamos Akira, ni se habrían desarrollado los estilos artísticos del antiarte en Japón. Cuando pienso en aquellos hechos, esto me consuela en cierta manera. Es cierto que es un burdo consuelo, encantado vería desparecer Akira a cambio de que el Enola Gay no hubiera dejado caer Little Boy, pero lo hecho, hecho está, y hay que ver el lado positivo de todo esto. El arte que surge de la miseria es como una flor que rompe el asfalto para florecer. 

Nuevas licencias en Milky Way Ediciones: Hotel y Kaiyuu no Mori

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Milky Way Ediciones sigue anunciando licencias espectaculares de mangas menos mainstreampero que hacen las delicias de los lectores de manga con curiosidad por salir de los títulos más comerciales y experimentar nuevos dibujantes y nuevos conceptos. En este caso se trata de Hotel, de Boichi y Kaiyuu no mori, de Yaku Haibara.

Hotel 

Boichi

“Hotel” es un manga que utiliza el fix-up para crear diferentes historias cortas con un mismo hilo conductor. Todas ellas tendrán un aire oscuro y muchas serán de temática postapocalítpica. Y todo ello cristalizado en un dibujo espectacular que podremos apreciar en las 36 páginas a color de la edición. Sale a la venta en otoño de 2015, es tomo único y tendrá un precio de 8,5€

El futuro de nuestro mundo parece comprometido. Ya sea por el aumento del nivel del mar, la álgida subida de las temperaturas, la llegada del mesías, una guerra entre ángeles y demonios o la última revuelta de los humanos por recuperar su libertad... "Hotel" reúne las historias de cinco personajes que se mueven entre la soledad, la desesperación y las ansias de renovación, en un futuro nada alentador.

“Nuestra edición será idéntica a la versión japonesa. Respetando no solo el formato sino también las más de treinta páginas a todo color y toques en tinta dorada del interior.” 



Kaiyuu no Mori

Yaku Haibara

"Publicada originalmente en las páginas de la revista Manga Erotics F de Ohta Shuppan. "Paseos por el bosque" (título provisional) es un tomo único para los amantes del misterio. Historias que te atrapan contadas de una manera seductora y deslumbrante."

Los bajos instintos, la culpa, el pecado y la fascinación por lo prohibido se encuentran en medio de este bosque lleno de relatos duros y fascinantes. Y es que todos los seres humanos tienen secretos. Algunos esconden sentimientos condenados por la sociedad y otros ocultan los deseos más oscuros e impactantes...
 Tomo único que saldrá a la venta el otoño de 2015 a un precio de 8€. 


Dragon Ball Super 1x05 El desastre se confirma

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En esta reseña hay SPOILERS.

Tras el chocante episodio anterior, uno va con las expectativas realmente bajas para el siguiente episodio. No deja de ser algo triste, pues es una serie que ha sentado bases en la infancia de muchos de nosotros y que tras tantos años de esperar algo como esto (una nueva temporada bajo la tutela de Akira Toriyama) nos encontremos con algo tan poco cuidado dice mucho de los objetivos de las compañías de anime japonesas actuales. Pero eso no evita que un domingo más nos sentemos ante el ordenador y le demos al play. Esta vez vamos con el episodio quinto de Dragon Ball Super.



El episodio empieza donde terminó el anterior, con Bills llegando al planeta de Kaio, donde Goku está escondido para evitar una pelea innecesaria y probablemente de consecuencias destructivas importantes. Tras unos minutos Goku es descubierto y se inicia una curiosa conversación, donde Goku hace uso de un japonés demasiado coloquial para alguien tan importante como Bills, algo que pone de los nervios a Kaio que trata de corregir a Goku para que use un lenguaje más formal. Tras esta conversación Goku le pide un combate amistoso a Bills para probar sus poderes y en un parpadeo, Goku pasa de llevar el chándal blanquiazul a llevar el traje por el que todos le conocemos (punto a favor de Dragon Ball Super). No sé si esto es una percepción personal, pero lo cierto es que Goku parece ser mucho más estúpido e idiota delo que era normalmente. Además de que la solemnidad que transmitía en otras temporadas, aquí simplemente es inexistente.


Antes de empezar el capítulo había visto ciertas capturas de pantalla que demostraban que el dibujo no solo estaba desmejorado, sino que parecía hecho por fans con poca habilidad. Yo creía que obviamente eso era falso, pero el temor no se iba de mí. Cuan iluso soy al ver cuándo empieza la pelea entre Bills y Goku. Os dejo unas imágenes mejor que explicarlo.










Quizá esto os parezca exagerado, pero me parece vergonzoso que a esto se le llame anime. Me parece un insulto y una falta de respeto enorme para todos los fans. ¿Pero quién se puede tragar esto y no indignarse?  No quiero saber el dinero invertido en este anime, porque mi enfado sería todavía mayor, pero lo cierto es que parece hecho por aficionados o algún becario poco talentoso.  No puedo seguir con esta reseña. El capítulo se resume en la pelea entre Bills y Goku, poco más sucede.

Solo espero que alguien se curre un cosplay de Goku-retard o que salgan memes de esto, porque si no, el trauma va a ser enorme.

Ah, y no nos olvidemos del adelanto del siguiente capítulo, con Vegeta y sus dos manos izquierdas.



El detective Kindaichi en Gokumon-Tô

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Hablar en Japón del Premio Seishi Yokomizo es el equivalente a hablar del Premio Edgar en EE.UU. o al Premio Pepe Carvalho en España. Tanto Edgar Allan Poe como Manuel Vázquez Montalbán son reconocidos autores de género negro en sus respectivos países de origen y pioneros en novela negro-criminal. Seishi Yokomizo fue también uno de los pioneros de la novela negra en su país, convirtiéndose en el escritor de misterio más famoso y aclamado de Japón. Fue el creador del detective Kindaichi Kôsuke, y los expertos dicen que está a medio camino entre Sherlock Holmes y Colombo. Una mezcla cuanto menos peculiar. 

Aunque en castellano tan solo tenemos traducidos El clan Inugami y esta que os traemos hoy, en total existen cerca de 80 casos del detective Kindaichi publicados en japonés. Quizá de este modo podáis comprender la repercusión que tuvo este personaje en la literatura japonesa y lo querido que es por el público nipón.

En Gokumon-Tô. La isla de las puertas del infierno, Kindaichi debe viajar a una isla muy peculiar situada en la parte sur de Japón que cuenta con apenas 8 km de perímetro. La peculiaridad le viene dada por el nombre, cuyo significado es "la isla de las puertas del infierno", y por el aislamiento que sufre el lugar que le hace rehusar todo lo que venga de fuera. El motivo del viaje de Kindaichi es que su camarada de guerra Chimata justo antes de morir le confiesa que teme por el futuro de sus tres hermanas, y le solicita que acuda a la isla en su ayuda o ellas morirán asesinadas. Cuando Kindaichi aún está conociendo a los componentes de la familia de Chimata, una de las hermanas aparece asesinada, colgada bocabajo de un árbol.

La protección del resto de las hermanas se acentúa, y comienza la búsqueda de pruebas para hallar un culpable. Cigarrillos liados con papel de un libro inglés, pisadas sospechosas en el templo en que encontraron a la muchacha, y sobre todo la reconstrucción de los hechos. Así como en El expreso de Tokio de Matsumoto resultaban fundamentales para la resolución del caso los horarios de los trenes, en esta ocasión dan mucha importancia al tiempo. La hora a la que se retransmite un determinado programa en la radio, el tiempo que se tarda en recorrer un determinado tramo, quién pasó a qué hora por qué sitio. Con un método deductivo y reconstructivo tratan de desandar los pasos que dio la joven Hanako antes de ser asesinada. Qué hacía en el templo de noche, qué la había impulsado a ir allí, con quién buscaba encontrarse. 

Gokumon-Tô es una de esas novelas en las que resulta de vital importancia prestar atención a los detalles si quieres tratar de ser más listo que Kindaichi y hallar la solución del misterio antes que él. Pero ya os aviso que no será fácil que lo consigáis, porque nuestro detective siempre irá un paso por delante del lector, llegando a conclusiones que no revelará hasta la reunión final con todos los sospechosos, al estilo de las novelas de Agatha Christie.

Aunque en algunos momentos la trama se ralentiza un poco debido a la meticulosidad del investigador, solo por la forma de casar todas las piezas y por la conclusión de la trama, la lectura merece la pena. De un modo magistral, consigue atar todos los cabos y no dejar el más mínimo resquicio de duda sobre lo que ha pasado en la isla, ya que como podéis imaginar el argumento se complica y no solamente tendremos un cadáver en la novela. 

Como aporte para enriquecer la novela, está ambientada justo en el momento en que Japón había perdido la Segunda Guerra Mundial, y ese desánimo se respira en las páginas de la historia. Se hablará del enfrentamiento armado, de los caídos que no volverán con sus familias, cómo escuchan atentos los partes de guerra en la radio, cómo pasan meses sin saber si sus seres queridos siguen con vida o no. Junto a esto, también veremos la lucha del país entre mantener su propia tradición o adaptarse a las nuevas costumbres occidentales que se habían introducido en el país. Un ejemplo de ello es la descripción de los ropajes, ya que el autor hace hincapié en aquellos que iban vestidos al modo occidental o los que aún conservaban las vestiduras niponas. 

Si tuviese que quedarme con una sola cosa de la novela creo que sería con las magníficas reconstrucciones de la escena del crimen que nos describe el autor. Los detalles que aporta, la postura del cuerpo, el color de la tela del kimono, la forma de ondear al viento del pelo, si la tierra está o no mojada por la lluvia. No da pie a la libre interpretación, todo está medido al milímetro, los detalles más nimios son tan importantes como los grandes.

No puedo dejar de comentar un aspecto negativo de la edición de esta novela. Aunque comprendo que las traducciones directas del japonés deben ser una tarea ardua y compleja, creo que es importante convertir dicha traducción en una adaptación. El empleo de una puntuación que se adecue al idioma de destino, el uso de expresiones que vayan acorde al tono de la novela... En la lectura ha habido más de dos y de tres expresiones que no encajaban con el resto del texto, palabras que te sacan del ritmo de la novela, y creo que es donde los no versados en el trabajo de traducción notamos que algo falla, que no funciona del todo bien. Es una lástima que suceda precisamente en la publicación de una novela que es consideraba un clásico del género en Japón, y en la que el resto de aspectos la edición están tan cuidados.

Debido al éxito del autor y de sus historias, encontramos a Kindaichi en diferentes formatos. En 1977 Kon Ichikawa dirigió la película homónima con una adaptación bastante fiel al parecer. Aunque este caso en concreto no se adaptase al anime, también tenemos la serie Kindaichi Case Files con un Kindaichi adolescente, que se emitió desde 1997 a 2000. La adaptación al manga de Kindaichi empezó a publicarse en 1992 y actualmente continua. Incluso tenemos videojuego del personaje para Playstation y para Nintendo DS. Como veis, toda una serie de formatos para un personaje cuya relevancia podemos comparar a la de Sherlock Holmes en occidente.

Chihiro, Nakajima, dos corazones tristes

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Banana Yoshimoto es una de las autoras japonesas más conocidas aquí en España, ya sea por su curioso pseudónimo o por la peculiaridad de su obra. La autora nipona ha escrito siempre bajo un tema en común y algo que puede parecer casi inverosímil, como es el hecho de que todas sus obras tengan su propia peculiaridad, es evidente en los libros de Yoshimoto. Bajo la idea de la pérdida de un ser querido, Yoshimoto nos abre un abanico de personajes, de historias distintas y suyas, a su manera, que muy difícilmente cansarán al lector.

Hija de una pareja no casada, Chihiro huyó de su pueblo y su pasado en cuanto tuvo la oportunidad, ingresando en la universidad para estudiar arte. El pueblo se desdibuja en sus recuerdos a la vez que la imagen de la madre lo hace, pese a que Chihiro siente su pérdida como un dolor constante. Así conoce a Nakajima, su vecino de enfrente, quien está pasando por un dolor similar al suyo, aunque más profundo e innombrable. Juntos formarán una pareja que poco a poco se conocerá, adentrándose en las profundidades del dolor compartido.

Como ya he comentado, la pérdida de un ser querido es una constante en todos los personajes de Banana Yoshimoto, que pasan por este proceso acompañados o en solitario. Sin embargo, y pese a este tema en común, la autora consigue imprimir de personalidad propia a cada uno de sus personajes y a cada uno de sus libros. Así, aunque nos encontramos con dos personajes que comparten un dolor similar al de otros protagonistas anteriores de sus obras, la historia en sí se diferencia de las demás.

En este caso, es la relación entre ambos personajes, una relación frágil, casi etérea, que comparten Nakajima y Chihiro. Es este amor el que toma el protagonismo de la novela. Un amor extraño, casi irracional, pero que vemos crecer con lentitud y belleza. La pareja y el amor serán los temas principales que junto con la superación del dolor y la cicatrización de las heridas, crearán un motivo para las palabras de Yoshimoto. Los corazones de ambos, rotos por el dolor, con una vida diferente a la establecida por la sociedad, se ayudarán mutuamente a repararse y recuperarse. Un amor curativo. Y aunque los personajes compartan una experiencia tan dolorosa, son también océanos de secretos que los separan. La iniciación de un nuevo amor y la lentitud propia de este serán dos elementos que nos acompañaran en toda la obra.



La peculiar visión de la muerte que tienen los japoneses es uno de los elementos de su cultura que más ha llegado hasta occidente. Y no solo la muerte en sí, sino el sentimiento de pérdida es también muy característico de esta cultura, un sentimiento que Yoshimoto plasma a la perfección en todas sus obras. El vacío que sienten Chihiro y Nakajima, un vacío del que casi no pueden ni hablar, inspira un sentimiento de comprensión a cualquiera que haya pasado por la misma experiencia.

El pasado tiene mucha relevancia en esta historia también, pues los secretos que guarda Nakajima en su interior afectarán a la relación y a la propia personalidad de esta. El retorno del pasado y como este afecta la vida de los personajes, como un suceso puede cambiar una persona, es uno de los elementos que Yoshimoto explora más en esta novela. Así, las conexiones con el pasado, casi místicas, se ven reflejadas en dos personajes con mucha importancia, pese a tener poca presencia física en el libro. Dos personajes que viven al lado de un lago. Este elemento del paisaje, que da nombre al libro, es la imagen que refleja esta evolución del amor y de la pareja, un lago que parece estático, pero que cambia a través de los ojos que lo observan. Este lago tiene un tono casi fantasioso dentro de la obra.

Otro elemento con vital importancia en la obra de Yoshimoto, un elemento que parece heredado de grandes autores como Kawabata, es la pintura. Pese a que la pintura de Chihiro no pasa de ser una pintura mural, casi rupestre, podemos ver ciertos paralelismos con Otoko, la protagonista de Lo bello y lo triste, que también refleja su vida en la pintura. El mural que pinta Chihiro a lo largo del libro, un mural que seguramente acabe siendo derruido, plasma bien la evolución de toda la historia, como un resumen descriptivo y sutil de lo que Chihiro nos cuenta con palabras.

La historia en sí es preciosa. El amor de ambos personajes transmite una ternura que llega al lector fácilmente. Una obra introspectiva en la que los sentimientos, las sensaciones, los recuerdos le dan un toque casi onírico a la relación, así como veíamos en otras obras suyas como Sueño profundo. La narración, con un tono intimista y melancólico propio de la autora, nos va mostrando escenas cotidianas que, a su vez, tejen la historia de estos dos personajes. Recrean a la perfección una sociedad lejana a la nuestra, y sin embargo es fácil ponerse en la piel de Chihiro, considerarla una amiga íntima.

La narrativa de Yoshimoto tiene una sinceridad abrumadora, pese a ser también elegante y hasta pura. Podemos sentir como la autora se dirige directamente a nosotros, al lector, como si estuviéramos cara a cara. Un tono conversacional que le da a la obra ese toque íntimo que hace que todo lector no solo se adentre en la obra, sino que la sienta bajo la piel. La belleza de su prosa puede parecer sencilla a simple vista, pero alberga muchísima profundidad.

Las únicas ediciones que nos han llegado de Banana Yoshimoto (con excepción de “Un viaje llamado vida”, traída a España gracias a Satori ediciones), vienen de la mano de Tusquets, con ediciones de una traducción impecable. Una obra de literatura japonesa contemporánea de una de las escritoras niponas más conocidas en nuestras tierras. 




Novedades en Haikasoru

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Haikasoru es una editorial norteamericana que trae literatura japonesa de género fantástico (como dicen ellos, fantasía oscura, ciencia ficción hard y space opera), y  de autores contemporáneos. Interesante, ¿verdad? Nosotros somos unos grandes admiradores de esta editorial, y aunque su catálogo es algo irregular, como iremos viendo en futuras reseñas, cada vez que anuncian una novedad, el suelo tiembla. En este caso se trata de la tercera antología de relatos que van a editar. Las dos anteriores The future is Japan y Phantasm Japan, las cuales contienen relatos tanto de autores japoneses, como de autores americanos cuyos relatos están ambientados en Japón. Esta tercera y nueva antología se titula Hanzai Japan y tiene relatos de autores tan conocidos como Hiroshi Sakurazaka (All you need is kill), Jyouji Hayashi, un popular escritor de ciencia ficción dura, y varios autores norteamericanos populares como Carrie Vaughn o S. J. Rozan. La edición en papel tendrá un precio de 9,99£ La ilustración de la portada ha sido realizada por Yuko Shimizu.

Además de la portada y el índice, la editorial ha colgado uno de los relatos para que podáis leerlo gratis y abrir el apetito, os dejamos el enlace más abajo.



A murderer doing time in hell. A girl who just wants to win her high school band contest…no matter what it takes. Sumo wrestlers with a supernatural secret. A future Tokyo where vampires are menial laborers nursing long-held grudges against humanity. And even a very conscientious, if unstable, Universal Transverse Mercator projection. These crime and mystery stories from and about Japan explore myth, technology, the sharpness of a sleuth’s mind, and the darkness in the hearts of criminals. Read these stories and learn that hanzai means crime!



Estos son los contenidos de la antología:

Genevieve Valentine “(.dis)”

Yusuke Miyauchi “Sky Spider”

Libby Cudmore “Rough Night in Little Toke”

Ray Banks “Outside the Circle”

Yumeaki Hirayama “Monologue of a Universal Transverse Mercator Projection”

Brian Evenson “Best Interest”

Jyouji Hayashi “Vampiric Crime Investigative Unit: Tokyo Metropolitan Police Department”

Naomi Hirahara “Jigoku”

Carrie Vaughn “The Girl Who Loved Shonen Knife”

Kaori Fujino “Run!”


Violet LeVoit “The Electric Palace”

Setsuko Shinoda “The Long-Rumored Food Crisis”

Jeff Somers “Three Cups of Tea”

Chet Williamson “Out of Balance”

Hiroshi Sakurazaka “The Saitama Chain Saw Massacre”


GOTH, de Otsuichi

Pero esta no es la única novedad que nos presenta la editorial americana. También tienen preparada la novela Goth, de Otsuichi. A muchos os sonará este título, y es que el manga Goth es el guión sacado de esta misma novela. Es decir, primero fue la novela, después el manga. Goth fue creada como una novela de lectura rápida y sencilla para el metro, pero parece ser que falló, pues Otsuichi se convirtió en un autor de culto en Japón, y uno de los mayores referentes del terror en el país. Os dejamos con la portada y la sinopsis.

Podéis leer un fragmento de la novela en este enlace.




Morino is the strangest girl in school—how could she not be, given her obsession with brutal murders? And there are plenty of murders to grow obsessed with, as the town in which she lives is a magnet for serial killers. She and her schoolmate will go to any length to investigate the murders, even putting their own bodies on the line. And they don’t want to stop the killers—Morino and friend simply want to understand them.



Dragon Ball Super 1x06 La trama no avanza

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Vamos a ponernos serios. Siendo justos, Dragon Ball Super todavía no ha arrancado y las críticas que ha recibido con apenas seis episodios han sido realmente duras. En esta misma serie de reseñas yo mismo he criticado enormemente el comienzo de la serie. Pero no es solo el argumento lo que muchos criticamos, que parece no tener sentido por ningún lado, sino la animación. La calidad de la animación de Dragon Ball Super pasa de ser aceptable a ser un auténtico horror. Tanto, que ha dado a luz a numerosos memes y a varios virales por la red. Pero hablemos del sexto episodio. 




Poco hay que decir, la trama no avanza y el episodio sigue en la tónica general de los anteriores, mucha comida interesante, situaciones estúpidas y diálogos sin sentido. Es cierto que se revela información interesante y relevante para la saga, sobre el planeta de Vegeta y cierta visita que hizo Bills al lugar, y aunque no hay más información y apenas se entiende lo que enseñan, ha sido lo más interesante de todo el capítulo. Krillin casi muere al comer un takoyaki de wasabi, Yamtcha ha fardado de ser el mejor guerrero del lugar y Vegeta ha adoptado una actitud opuesta a lo que estamos acostumbrados, ha dejado su arrogancia a un lado para mostrarse más servicial que nunca.





El dibujo y la animación de este episodio no es ni de lejos tan malo como en los dos anteriores, aunque hay alguna escena que da escalofríos, como ese temor que parece estar latente pero no se manifiesta. Es cierto que los personajes ya están desarrollados por otras sagas o temporadas, pero no se está haciendo ninguna referencia al pasado de cada uno, o qué metas tienen los personajes. O por qué ocurre lo que ocurre. Qué deseos tiene Bills, qué motivaciones, por qué Goku parece solo atrezzo. En definitiva, otro episodio a ignorar excepto por esa escena del pasado de Vegeta que parece recordar debido al ataque de Bills. Esperemos que Toei mejore la animación, pero sobre todo el guion necesita un buen empujón.





La isla desnuda de Kaneto Shindo

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Luchar por la supervivencia. Luchar contra los elementos. Vida sencilla, austera y cruda. Esto nos plantea Kaneto Shindo (新藤 兼人 , Hiroshima, Japón 1912 - 2012) en esta particular película carente de diálogos, donde se encargó de la producción, el guión y la dirección, creando un precioso poema cinematográfico. Seremos testigos de las penurias de los protagonistas. Sin prisas, centrándonos en los detalles, podremos pensar en lo que significaba vivir antes de claudicar ante la vorágine consumista / capitalista. Cada uno sacará sus conclusiones al acabar el visionado, pero una cosa queda clara al final: La vida no es fácil y debes luchar siempre, sea cual sea tu situación.


La sinopsis es sencilla: Una familia (padre - Taiji Tonoyama, madre - Nobuko Otowa y dos hijos - Shinji Tanaka y Masanori Horimoto) son los únicos habitantes de una pequeña isla, donde luchan cada día por su supervivencia en condiciones muy duras.

Puede parecer un documental pero no lo es. Aunque sólo hay dos actores profesionales (El padre y la madre) y un pequeño equipo de rodaje de trece personas incluyendo al propio Shindo, este film logra hipnotizar por sus bellas imágenes, su preciosa banda sonora a cargo de Hikaru Hayashi (Aunque básicamente es un tema principal con variaciones), el esfuerzo de sus protagonistas para sobrevivir día a día y su giro dramático final.


Gran parte del metraje se centra en la complicada y ardua tarea de llevar agua potable al islote. Nada más empezar la película, vemos sufrir a los padres por el peso de los cubos y el difícil ascenso hasta su diminuta casucha bajo un sol despiadado en pleno verano. Con esto logra hacernos partícipes de la tensión por no derramar ni una gota del preciado líquido elemento y nos deja claro de entrada que no va a ser un film amable. En contraposición, vemos a sus hijos disfrutando y corriendo en libertad, incluso cuando ayudan en tareas como pescar o alimentar a los pocos animales que poseen.



Durante el desarrollo, nos muestra diferentes épocas del año en los que la familia pasa menos miserias, incluso llegan a permitirse algún capricho como comer en una ciudad y pasear por ella (donde Kaneto Shindo aprovecha para criticar la estupidez y el absurdo de los programas de televisión con un par de planos). Sin embargo pronto regresan las estaciones duras y la vida en la pequeña isla vuelve a su despiadado cauce.



Shindo usa la técnica de centrar los elementos importantes en los planos durante toda la película, logrando capar la atención del espectador en todo momento y reforzar así las imágenes sin diálogos (Esta misma técnica la utiliza de forma inteligente George Miller en “Mad Max: Fury Road” en las escenas de acción, consiguiendo que nadie se pierda en ningún momento pese a las trepidantes secuencias). La fotografía y los perfectos planos nos hacen gozar de los paisajes del islote, del pueblo cercano con sus hermosas y entrañables casas, etc.





Esta pequeña joya del cine logra transmitir la crudeza de la vida más austera sin caer en el  melodrama barato ni recurrir a grandes medios o artificios. Dura y directa somete al espectador a ver cómo la implacable madre naturaleza golpea una y otra vez a esta familia. Pese a todo, la vida sigue, y ese es el mensaje final que nos da el maestro Kaneto. En resumen, una delicia muy poco habitual en el séptimo arte que nadie debería perderse.

 
Biografía del director:

Hijo de una familia de campesinos, empezó en el mundo cinematográfico en 1934 como asistente decorador en la productora Shochiku. Pronto conoció a Kenji Mizoguchi con quien empezó a “aprender cine”. Poco después empezó su carrera como guionista. A mediados de 1950 crea la productora Kindai Eiga Kyokai junto al director Kozaburo Yoshimura y la actriz Nobuko Otowa. Es aquí donde empieza su etapa como director logrando éxitos como “Los Niños de Hiroshima”, “Onibaba”, “El Gato Negro” o la propia “La Isla Desnuda”.


Curiosidades:

· El protagonista Taiji Tonoyama (殿山 泰司, 1915 - 1989) se recuperó de su adicción al alcohol durante el rodaje por estar aislados en el pequeño islote.

· Shindo hizo que los actores llevaran baldes completamente cargados de agua, logrando incluso que los yugos que estaban utilizando se doblaran, para filmar la dureza de sus vidas sin artificios y conseguir una interpretación completamente realista.

Novedades manga de Ponent Mon para septiembre

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Septiembre va a ser un mes muy interesante. Además del resto de novedades de manga que ya os hemos presentado, Ponent Mon se une a la carga con estas tres intersantísimas novedades. La bestia, de Hideki Mori, reedición de Un zoo en invierno, de Juro Taniguchi y El último vuelo de las mariposas, de Kan Takahama. Sin más, os dejamos con las portadas y las sinopsis de los interesantísimos títulos.

La bestia, de Hideki Mori

Con traducción de Miguel Ángel Ibañez, sale a la venta en septiembre a un precio de 20€

Su camino será el camino de la espada.Se convertirá en el samurái más famoso de Japón.Pero él no lo sabe. Musashi Miyamoto...Su nombre de niño era Bennosuke. Y en su interior vive la bestia.

 El último vuelo de las mariposas, de Kan Takahama

Con traducción de Miguel Ángel Ibañez, sale a la venta en septiembre a un precio de 16€



Finalmente conocemos la historia oculta de amor y muerte del pasado de una cortesana sin igual y un hombre gravemente enfermo. Este es el manga que usted debe leer ahora. Cuenta la historia de una bella prostituta en una época que creemos conocer, pero en realidad no lo hacemos. Es una historia conmovedora que destaca por la calidad de un dibujo y un guión que no buscan hacer alardes. La expresividad de las historias de Kan Takahama va en aumento cada obra. 

Un zoo en invierno, de Jiro Taniguchi

Con traducción de Víctor Illera Kanaya, sale a la venta en septiembre a un precio de 18€



Kioto, 1966. El joven Hamaguchi trabaja en una fábrica de textiles. Cansado de no poder satisfacer su pasión por el dibujo, se despide y se marcha a Tokio. Allí, un estudio de manga le ofrece una oportunidad, al mismo tiempo que descubre la vida nocturna y los ambientes artísticos de la ciudad. Pero el trabajo de ayudante de mangaka es extenuante y Hamaguchi pronto se da cuenta de la dificultad de encontrar tiempo y energía para dedicarse a su propia obra.
 Por primera vez, Jiro Taniguchi recuerda sus primeros pasos como mangaka y su juventud en el Tokio de los años 60. Una magnífica historia sobre el aprendizaje, donde toda la delicadeza y elegancia del autor se unen para ilustrar las primeras emociones de la edad adulta.

El anime, herido de muerte

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Por Álvaro López Martín@A1varoLopez

El ya famoso quinto episodio de 'Dragon Ball Super', emitido hace pocas semanas, ha puesto de relieve un problema que no es nuevo: la industria de la animación japonesa está herida de muerte: la precariedad laboral y un sistema anclado en el pasado que se quiere exprimir sin escrúpulos, son los dos principales síntomas de un mercado que se está devorando a sí mismo.






Thomas Romain, uno de los pocos creativos extranjeros que trabaja en el corazón de la siempre cerrada industria del anime, fue el que prendió la llama con un tweet ampliamente difundido en el que hablaba de una situación insostenible: "Los presupuesto en Japón para la animación son extremadamente bajos (...) En la producción de una serie de televisión, un animador, por lo general, solo cobra 40 dólares por corte de animación. Los animadores reciben solamente 2 dólares por cada dibujo".

La precariedad laboral es uno de los principales problemas de esta industria. Detrás de la peculiaridad de ser un trabajo donde predomina la pasión artística de los que lo realizan, se encuentra un sistema enquistado, que convierte a auténticos artistas en máquinas de hacer dibujos contrarreloj, de forma repetitiva y durante eternas jornadas de trabajo. Los que se introducen en el anime fascinados por su brillo exterior (la gran mayoría), muchas veces se encuentran con un trabajo más cercano al de la producción en masa de una fábrica de tuercas que un lugar donde desarrollar su talento creativo. Tienen que hacer dibujos, y muchos, para ganar un sueldo miserable. El exterminio del arte.

"El problema es que la industria del anime japonés está produciendo demasiado contenido (...). No hay suficientes animadores cualificados y experimentados (...) Los estudios no tienen otra opción que trabajar con animadores poco cualificados, a veces amateurs", añadía Romain.


La desconsideración de la industria hacia el arte se hace cada vez más patente, no solo con estas palabras: cualquiera puede verlo en cualquier anime televisivo de emisión actual. En el episodio cinco de 'Dragon Ball Super' se hizo más patente porque había precedentes humillantes de hace 20 años, donde la animación de la saga 'Dragon Ball' no tenía nada que ver con la actual, era mucho más elaborada en todos los sentidos. Hay casos igualmente sangrantes: las series que llevan muchos años emitiéndose. Podría poner por caso una de las más populares y representativas de la animación nipona actual: 'One Piece'. Su evolución es digna de análisis. Iniciada en 1999, lleva ya a sus espaldas más de 700 episodios. Resulta más que llamativo ver cómo era animada la serie en sus inicios, y cómo ha ido evolucionando progresivamente a un estilo menos detallado y más simplista hasta la actualidad, donde este mal que está asolando el anime televisivo ha terminado equiparándola al resto de series de nueva hornada. Sin embargo, los que siguen la serie desde hace años han podido notar esta degradante involución. Por cierto, casualidad o no, detrás está Toei Animation, la misma productora que 'Dragon Ball' y que, por este y otros trabajos, está en el centro de la polémica. Es un poco la cuadratura del círculo, teniendo en cuenta que Toei es uno de los grandes nombres de la industria, todo un clásico que impulsó la animación en Japón y ha realizado a lo largo de su ya larga historia decenas de éxitos alabados por crítica y público. Su declive es el del mito que se derrumba. Un histórico gigante con pies de barro.

"Los estudios de animación japoneses son empresas pequeñas (...) Por lo general no tienen grandes beneficios y no están en condiciones de invertir su propio dinero", decía Thomas Romain. "El coste de tener a todo el mundo que trabaja en la casa sería insoportable. Solo un estudio fue capaz de hacer eso: Studio Ghibli".

Yo llevo más de cinco años participando activamente en la difusión en español de Studio Ghibli a través del blog (y amplia comunidad de seguidores) Generación GHIBLI. El de Studio Ghibli es un caso perfecto y paradójico para explicar gran parte del cáncer que sufre el mundo de la animación japonesa, tan opaca, tan inteligible y tan encantada de conocerse a sí misma, quizás demasiado.





Studio Ghibli es, con total seguridad, el estudio de animación japonés más conocido en todo el mundo. Sin embargo, en Japón no hay otro estudio similar. ¿Por qué, si lo logrado por Ghibli ha resultado tan terriblemente eficaz, consiguiendo que sus películas sean las más vistas históricamente en su país, y hayan trascendido de forma importante al panorama internacional? Pues (y aquí viene la primera paradoja) porque existe un nombre propio: Hayao Miyazaki. Es curioso que en un trabajo tan estrictamente colectivo, el mayor triunfo lo haya logrado el personalismo de un genio. Porque sí, nadie discutirá que Hayao Miyazaki es un genio. Pero en las interioridades del mundo del anime, probablemente, la mayoría de animadores de clase media que preguntes te dirán que sería genial trabajar con Miyazaki por su prestigio y por la calidad de sus películas; pero no por su sistema de trabajo, arcaico y dictatorial. No se le puede culpar: le ha funcionado a las mil maravillas, y él es un hombre de ideas fijas que las ha visto refrendadas encadenando un éxito tras otro.

No quiero decir con esto que Miyazaki sea un ogro, al contrario, él fue el que quiso implantar un sistema imposible. El funcionamiento no dejó de ser ficticio: Studio Ghibli se financiaba en grandes cantidades solo gracias al fuerte arrastre en taquilla de los films de su fundador. Y, es verdad, las películas de otros directores en Ghibli también funcionaron relativamente bien (sobre todo las primeras de Isao Takahata) y, en general, era un estudio que obtenía un gran rendimiento de sus producciones. Sin embargo, su apuesta por una plantilla fija de trabajadores y una irrenunciable política de máxima calidad en sus obras (con los esfuerzos de tiempo y dinero que eso supone), además sin diversificar su actividad hacia la televisión, no podía financiarse sin Hayao Miyazaki. Cuando este se retiró en 2013, el estudio tuvo que parar para replantear una situación que aún está en proceso. La única salida de Studio Ghibli es unirse al funcionamiento del resto de estudios: producir más, por menos dinero. Eso, o disolverse.

La enseñanza de la realidad de Studio Ghibli respecto al resto de estudios que producen animación en Japón es muy clara, y bastante pesimista: es imposible que la industria funcione bien, porque está atascada en un círculo vicioso que deriva en cada vez más productos, y cada vez de menor calidad. Hasta que la burbuja explote.


 
Según la AJA (la Asociación de Animación Japonesa), en 2013 las ventas de anime generaron 12 billones de dólares en 2013, el mejor resultado de su historia. Toda una contradicción.

"Es común escuchar a personas hablar de 'milagro' cuando un episodio se emite a tiempo. A veces, la animación no se ha iniciado ni dos semanas antes de emitirse, y los episodios pueden ser completados solo unas pocas horas antes de ser mostrados en televisión. La calidad puede ser pobre, pero lo que importa es tener algo que poner en pantalla", sentenciaba Romain.

Una triste realidad.


Escrito por Álvaro López Martín @A1varoLopez, autor del blog Generación GHIBLI y del libro 'Mi vecino Miyazaki', de Diábolo Ediciones.

Novedad manga en Quaterni para septiembre

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Quaterni sigue apostando por el manga, tras Kokoro y Soy un gato, acaban de anunciar que van a publicar otro gran clásico nipón, en este caso se trata de Hagakure. El Código el Samuráide Yamamoto Tsunemoto (1659-1719), Esta obra es el tratado sobre el código samurái más popular y más leído en todo el país. Personalmente tengo mucha curiosidad por ver qué tipo de adaptación. El manga que Quaterni presenta es una adaptación de Sean Michael, ilustrado por Chie Kutsuwada y cuenta con un epílogo William Scott Wilson. La traducción del inglés va a cargo de Juan Jiménez Ruiz de Salazar. El libro saldrá a la venta el 14 de septiembre. Desde luego esta novedad es toda una grata sorpresa y no son pocas las ganas de lanzarnos a su lectura.

En la web de Quaterni podéis encontrar más información sobre los autores que han adaptado el manga y sobre Tsunemoto. 





Podéis leer los primeros capítulos del manga en este ENLACE

Esta es la sinopsis:

Con un estilo narrativo que recuerda a Las mil y una noches, Hagakure  es una colección de cuentos y anécdotas que nos muestran el verdadero espíritu del Bushido,  el Camino del Samurái. Una  filosofía alejada de nuestra visión occidental, pero narrada con gran maestría a través del dibujo y de una selección de relatos tan aleccionadores como sorprendentes.
 
Un joven samurái busca el consejo de un viejo y experimentado guerrero que se ha convertido en un monje zen. Así comienzan una serie de enseñanzas memorables, cuentos de samuráis y de guerreros famosos y su esfuerzo por no desviarse del Camino. Con cada anécdota, el joven no solo aprenderá lo que significa ser un samurái, sino también lo que es el sentido del deber, el coraje, la justicia, la lealtad y el honor.
 
Basado en la traducción realizada por William Scott Wilson del clásico japonés del siglo XVIII, esta es la primera vez que se versiona en cómic el que es considerado el más influyente de todos los tratados de samuráis, una obra que deleitará por igual a los fans del manga y a todo aquel interesado en la cultura japonesa.

Insertar tinta

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En España tenemos una asignatura pendiente con el arte. Concretamente con las disciplinas artísticas (de cualquier tipo) contemporáneas que han ido surgiendo este siglo y a las cuales se les presta poca o ninguna atención tanto a niveles mediáticos como académicos. El tatuaje es un arte no solo infravalorado, sino que encima está asociado a aspectos negativos como la delincuencia o la inadaptabilidad social tanto de las personas que tatúan como de las que los llevan en su piel. Por supuesto todo esto surge del desconocimiento y la ignorancia, pues el tatuaje es un arte ancestral que ha acompañado al hombre desde siempre como expresión artística.


Satori Libros es una editorial que no solo se arriesga, sino que apuesta por obras ortodoxas como es el caso de Irezumi Itai. Tatuaje tradicional japonés, el primer libro publicado en España que versa sobre el tatuaje japonés. Su autor, Yori Moriarty, es un experto en tatuar este estilo. Como él mismo dice, en Japón le otorgaron el título de maestro, algo que no muchos occidentales pueden decir que han conseguido. En este libro se puede encontrar un catálogo de los temas que se utilizan en el tatuaje tradicional japonés, además de un repaso por la historia de Japón y su relación con el tatuaje. El libro se cierra con un epílogo donde Yori nos explica una anécdota personal muy interesante donde aparecen yakuza, la noche de Osaka y mucha tinta. Tras este epílogo hay un catálogo de diseños originales del autor, muchos de ellos realizados para esta edición.

Las primeras cuarenta páginas son realmente interesantes, Yori realiza un repaso histórico con datos que son complicados de encontrar en libros de historia. Este repaso nos lleva desde los inicios del tatuaje y su evolución a lo largo de los períodos históricos del mismo. Desde héroes que se tatuaban con los maestros, criminales marcados, aristócratas ingleses que viajaban a Japón para tatuarse, hasta la influencia del tatuaje en la política o en el teatro kabuki. Los más neófitos en historia antigua de Japón conocerán leyendas clave en la literatura y el arte japonés como el conflicto de los Taiga y los Heike. Pero el grueso del libro lo forman los temas utilizados en el tatuaje japonés, divididos en diferentes apartados (agua, animales mitológicos, animales reales, personajes mitológicos, personajes históricos, flores, shunga y yokai) cada uno de ellos tiene una breve explicación sobre su origen, significado y uso. El texto es claro y directo, sin demasiadas florituras se hace comprensible e incluso más entretenido de lo que uno podría esperar de algo definible como “catálogo”. Irezumi Itai consigue ser mucho más que eso, es un compendio de significados, un libro que trata de arrojar luz sobre un tema repleto de sombras y clichés. Yori Moriarty ha conseguido que un tema tan lejano como el irezumi sea algo cercano, palpable y comprensible.





La edición física del tomo es impresionante, y es que en los tiempos que corren para el mercado editorial, publicar un libro de más de 200 páginas a todo color, con el papel satinado, con una edición del texto espectacular y con imágenes de alta resolución es un rara avis. Tener este libro en las manos es ya de por si una experiencia extra que se suma a la de la lectura. Cada tema tiene una imagen representativa, ya sea un personaje histórico, un yokai o con temas de naturaleza como agua o flores. Todos y cada uno de ellos vienen con ejemplos de pinturas o grabados japoneses, que dicho sea de paso, algunas de estas imágenes son realmente complicadas de conseguir si no se tiene cierta bibliografía artística. El público de este libro es vasto, pues no solo se dirige a los aficionados al tatuaje, sino que cualquier curioso o interesado de la cultura japonesa, en el arte, en el tatuaje o simplemente en el aspecto antropológico que supone el tatuaje en una cultura tan antigua como la japonesa debería hacerse con Irezumi Itai


Novedad editorial en Satori para septiembre

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Septiembre tiene una pinta impresionante. En Satori editan (por fin) a uno de los autores clave de la literatura japonesa, Ryûnosuke Akutagawa. En este caso se trata de Rashomon y otros relatos históricos. Este volumen de cuentos es la recopilación de cuentos más populares de Akutagawa, publicado incluso en Penguin Classics en inglés. Quaterni publicó una recopilación de cuentos de Akutagawa pero con Satori vamos a tener nueva traducción de Iván Díaz Sancho y un prólogo escrito también por él. 

El libro estará dentro de la colección "Maestros de la literatura japonesa". La obra se pondrá a la venta el 21 de septiembre, tendrá 352 páginas y estará a la venta alprecio de 19€. Con la portada que Satori ha escogido, nos ha robado el corazón.

Actualización:

La editorial Satori ha tenido la amabilidad de cedernos el índice de títulos que contendrá el volumen:

Rashōmon [羅生門]  - «Rashomon»
Hana [鼻]  - «La nariz»
Imogayu [芋粥] -  «Gachas de ñame»
Un [運] - «El destino»
Chūtō [偸盗] - «Los ladrones»
Gesaku Zanmai [戯作三昧] - «Una vida consagrada a la literatura ligera»
Jigokuhen [地獄変] - «El biombo del infierno»
Karenoshō [枯野抄] - «Extracto de la tierra yerma»
Shunkan [俊寛]  - «El bonzo Shunkan»
Yabu no naka [藪の中] - «En la espesura del bosque»




«Rashomon» nos traslada al Japón del siglo XII, un país asolado por las guerras, el hambre y la desesperación, un escenario perfecto en el que las turbadoras complejidades de la existencia humana se muestran ante el lector con una brutalidad no exenta de belleza. Akutagawa ha trascendido las fronteras del tiempo y del espacio y se ha situado por derecho propio en la historia de la literatura universal como uno de los grandes maestros del relato. Su brillante talento narrativo, su estilo sofisticado y elegante, su sensibilidad extrema y su capacidad para desentrañar los aspectos más oscuros y complejos de la naturaleza humana hacen de sus obras verdaderas joyas atemporales y elevan a su autor a la categoría genio de las letras.      

Novedades de literatura en Lapislàtzuli para septiembre

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¡Atención! Acaba de surgir la primera colección en catalán dedicada exclusivamente a la literatura japonesa. La editorial catalana Lapislàtzuli estrena en septiembre una colección llamada "Sèrie de literatura japonesa" la cual está dirigida por Ko Tazawa. Esta colección cuenta con las traducciones de Ko Tazawa y Joaquim Pijoan. Lapislàtzuli estrena esta colección con dos títulos, el primero es de Ichiyô Higuchi, "A veure qui és més alt", y el segundo de Ôgai Mori, "Harakiri. El cas de la familia Abe". Ambas ediciones tendrán un precio de 12€ y desde hoy están a la venta en la web de la editorial. 


A veure qui és més alt. Midori, una petita geisha.
Ichiyô Higuchi

És una història d’amor adolescent. La rivalitat no consisteix solament en el joc adolescent de comparar-se l’alçada física, sinó també en el grau de maduresa. O potser també en la intensitat d’amor dels dos protagonistes. La novel·la està ambientada al barri de Yoshiwara, centre oficial de prostitució, un món tancat i força especial, la qual cosa no deixa d’influir en la manera de ser dels nois. Ichiyō Higuchi construeix una història vívida, versemblant i entranyable a partir de la descripció minuciosa de la vida quotidiana dels protagonistes, amb una gran sensibilitat humana i artística. És, sens dubte, una obra mestra de l’època de Meiji.



Harakiri. El cas de la família Abe
Ôgai Mori

Ōgai Mori森鷗外(1862-1922). Escriptor i metge militar, fou una de les figures més importants de la literatura japonesa de l’era Meiji (1868-1912). Com a autor, va escriure nombrosos contes i novel·les, entre els quals cal destacar La ballarina (1890), Vita sexualis (1909), Les oques (1911-1913), Sanshō Dayū, un hisendat cruel i llegendari (1915) i Barca del riu Takase (1916). Va traduir Faust de Goethe, Improvisatore de Hans Christian Andersen, Els crims de la rue Morgue d’Edgar Allan Poe, entre d’altres, i va introduir el romanticisme occidental al Japó. Ōgai Mori va néixer a l’època d’Edo, quan encara els homes portaven monyo. Va presenciar l’enderrocament de l’ancien régime i el naixement de l’època moderna, i va promoure la renovació de la literatura japonesa, la creació d’una literatura nova a l’estil occidental.
A través d’aquest conte històric i realista, Ōgai Mori descriu molt bé la vida quotidiana, les relacions humanes, el criteri moral i el sentit del deure de la comunitat dels samurais, d’una època antiga i feudal. Harakiri: el cas de la família Abe fa possible comprendre millor la societat d’aleshores, que certament constitueix una de les bases de la societat i la mentalitat japoneses actuals.


Sorteo de El todopoderoso Shikaku

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En colaboración con la editorial Chidori Books ponemos en marcha un nuevo sorteo, en este caso se trata de dos ejemplares digitales de El todopoderoso Shikaku, de Naoko Tanigawa. La edición cuenta con la traducción de Héctor Tortajada y la ilustración de la portada es de Marta Salmons, de Skizocrilian Studio.



La mecánica es muy sencilla, sortearemos un ejemplar por Facebook y otro en Twitter. El sorteo es de ámbito internacional y termina el día 14/09 a las 23:59h

Cómo participar en FACEBOOK

AQUÍ para participar.



 Cómo participar en TWITTER

AQUÍ para participar.



¡Eso es todo! Que tengáis mucha suerte.

El caso del asesino del zodiaco

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La tradición del cuento de misterio y de la novela policíaca en Japón recorre derroteros completamente diferentes a los que seguimos en Occidente. Ya sea en la literatura con autores como Edogawa Rampo, en el anime y manga con obras muy conocidas como Death Note o Detective Conan o incluso en el cine con directores como Akira Kurosawa. El género de misterio, policíaca y novela negra es de los más populares en Japón. No es de extrañar pues, que en la literatura que nos llega desde este país tengamos joyas contemporáneas como Out de Natsuo Kirino. Estos géneros se complementan a la perfección cristalizando en un estilo muy peculiar que suele ser fácilmente identificable. En esta misma web, Carlos Bassas ha escrito la primera parte de un artículo dedicado a la tradición de la novela negra en Japón.




The Tokyo Zodiac Murders es una novela policíaca escrita por Soji Shimada (1948- ), un autor de novelas policíacas que necesitan del uso de la lógica para ser desentrañadas. Su primera obra fue la presente, Senseijutsu Satsujinjikenjiken: kakioroshi, chōhen suiri shōsetsu (占星術殺人事件, 1981, Kodansha Press) titulada en inglés, The Tokyo Zodiac Murders. Esta obra fue finalista del premio Rampo Edogawa. Además tiene una serie de novelas protagonizadas por el detective Miratai y otra por el detective Yoshiki, ambas de gran popularidad en Japón. Ya en su primera obra deja claros los temas que va a tratar en sus casos policiales, tales como la pena de muerte en Japón y aspectos culturales confrontados en la cultura popular japonesa. Es curioso porque Shimada también cultiva el género policíaco de humor, con títulos como Soseki y los asesinatos de la momia de Londres (漱石と倫敦ミイラ殺人事件, Soseki to Rondon Mira Satsujin Jiken. 1984, Shueisha Press). Actualmente, Shimada está colaborando en un proyecto junto a Masamune Shirow (ilustrador y guionista de mangas como Ghost in the Shell, o Apleseed).




Soji Shimada es un autor que todavía no ha sido traducido al español, y en inglés esta obra es la única que se puede encontrar traducida. Quizá porque los editores piensen que no hay un público en Occidente para este tipo de novelas, o por cualquier otro motivo, sus obras no nos han llegado todavía. Esta novela fue publicada en 1981 y traducida al inglés en 2004. Conocía el autor de oído y de haber repasado los índices de antologías o artículos que hablaban sobre la novela policíaca, así que mi sorpresa al encontrar este tomo en la biblioteca fue enorme. Pero pasemos a la obra.

The Tokyo Zodiac Murders empiezan con una nota previa del autor el cual insta al lector a una metalectura. Soji Shimada informa que todas las claves para resolver el misterio son ofrecidas al lector al principio del libro y ofrece el reto de resolver el caso antes de terminar el libro. Este tipo de metalectura es algo que puede descolocar al principio, pues uno no sabe si se trata de parte de la obra o es un reto verdadero. Este tipo de reto, para cierto lector puede suponer cierta presión que afecte al inicio de la lectura. En mi opinión y si no sois grandes conocedores de cartografía, astrología y matemáticas, creo que se puede y debe ignorar. Es cierto, no obstante, que este reto otorga originalidad a la obra e incluso cierto divertimento que en una novela de misterio no podríamos obtener. La novela se inicia pues con una carta escrita por el presunto criminal, donde confiesa su intención de cometer ciertos crímenes. Estos asesinatos son descritos con frialdad y son impactantes y atroces, pues describe con detalle cómo pretende descuartizar a todas sus hijas para formar la mujer perfecta que se alinee con los astros. El autor de esta carta confiesa estar poseído por un ente malvado que le incita a cometer estos actos y cree que culminando esta obra podrá liberarse mediante el suicidio.


Detalle del interior del libro.

Este libro tiene descripciones y escenas muy explícitas y que pueden llegar a ser algo perturbadoras, sobre todo por la manera tan fría que el narrador tiene de explicarnos el caso, describiendo escenarios como piezas de un puzle en vez de un crimen. No quiero decir con esto que no se analice la cuestión moral, ya que tiene un gran peso en la historia, pero es cierto que el autor trata de ser lo más detallista posible  a través de los ojos del detective. El argumento central ocurre en 1979, pero trata sobre unos crímenes acontecidos en 1936. Una de ellas fue el artista Heikichi Umezawa (el que escribe la carta con la que empieza la historia). Su muerte queda como un completo misterio para los investigadores. Tras este hecho, las seis chicas que Heikichi planeaba asesinar desaparecen para ser encontradas asesinadas. A cada una de ellas les falta una parte del cuerpo. El crimen parece ser el mismo que Heikichi planeaba en su carta, pero lo extraño es que él muere antes que estos crímenes tengan lugar.

Portada de la edición japonesa.

Antes de leer esta obra, me habían alertado sobre la traducción, pero es justo decir que me ha parecido un trabajo más que destacable. Podría decir pues, que el estilo de Shimada es impresionante. Su prosa es fluida y repleta de detalles; fría en ocasiones, visceral en otras. Además juega con el lector de forma muy inteligente, escondiendo pistas en el propio texto que solo un lector curioso encontrará. Una de ellas lleva a un giro de guion muy bien llevado y cuya resolución es digna de aplauso. Shimada otorga a sus personajes gran profundidad psicológica, sobre todo al personaje principal, el detective Kiyoshi Mitarai, cuyo sentido del humor y sarcasmo consiguen dar un toque cálido a lo macabro del relato.

En conclusión, creo que esta obra debe ser leída por cualquiera que disfrute con Sherlock Holmes. Se trata de una obra que ha inspirado animes como el anteriormente nombrado Death Note. El estilo es engañosamente sencillo, apostando más por una trama complicada y llena de giros que por una escritura cargada. The Tokyo Zodiac Murders es una obra llena de carácter y un gran ejemplo de crear una buena trama, sólida y repleta de giros, carente de esos odiosos Deus Ex Machina. Shimada es una asignatura pendiente para los editores españoles. 

La epopeya del Sol Naciente

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Tener entre nuestras manos un ejemplar de El cantar de Heike no es ninguna tontería. No hablo solamente de la magnífica edición con la que Satori nos ofrece una experiencia completa para los sentidos: acariciar el grueso gramaje de sus hojas, deleitarnos con las magníficas ilustraciones de Jin Taira, aspirar el aroma de la tinta o nutrir nuestra mente con los textos que se hayan impresos en el libro. Me refiero al hecho de sostener un pedazo de historia de Japón.

Podéis pensar que estoy exagerando, pero seguro que no he sido la única de los presentes que cuando se han acercado a la Ilíada lo han hecho con un profundo respeto. Si nos paramos a pensar lo que los textos de Homero han supuesto para la cultura y la literatura occidental, podréis comprender a lo que me refiero. El cantar de Heike es una historia deudora también de la tradición oral, esa magnífica manera de narrar historias que suponían la forma habitual de transmitir conocimientos en el pasado. Historias contadas de padres a hijos en torno a un fuego, que se iban grabando en la memoria de los oyentes. Esa tradición de autoría anónima afortunadamente fue recopilada en el siglo XIII por el monje Yoshida Kenkô, y actualizada a partir de 1947 por Eiji Yoshikawa, uno de los historiadores más célebres y aclamados de Japón. Gracias a esa revisión y novelización que le llevó nada menos que 15 años de trabajo, consiguió lograr un texto más actualizado y cercano para los lectores de hoy en día.

El Heike Monogatari original ha estado circulando por diferentes países en su versión más pura, la de la tradición clásica. Sin embargo, no habíamos tenido la posibilidad de disfrutar en castellano de la versión más actual de Eiji Yoshikawa, la saga compuesta de 9 volúmenes. Con todo esto que os cuento podéis imaginar cómo de titánica es la empresa a la que se enfrenta la editorial Satori traduciéndola directamente del japonés, y creando este primer volumen enriquecido con ilustraciones, listados de personajes, árboles genealógicos, mapas, e incluso un reloj con el cómputo de las horas a la manera nipona.

El cantar de Heike como objeto es excelente, ya solo por ello merece la pena acercarse a él. Pero una vez que posas la vista en la historia que te cuenta te das cuenta del valor de lo que estás leyendo. Yoshikawa nos trasporta al siglo XII, una época de turbulentas luchas de poder entre los más poderosos clanes de samuráis: los Heike y los Genji. El protagonista que nos hará de guía en esta historia será el joven Kiyomori. Recorreremos con él diferentes e importantes momentos de su vida, situaciones de búsqueda de la propia identidad y fragmentos de crecimiento personal.

Es muy difícil resumiros el argumento de esta obra debido a la cantidad de aspectos que toca. Extraeremos información de la vida de la corte, el funcionamiento de los matrimonios de las clases altas, los mecanismos que regían la elección de esposa y concubinas, las horas del día a las que se efectuaban determinadas tareas, las festividades a lo largo del año y cómo eran celebradas, la vida cotidiana de cocheros, bailarinas, criados o pescadores. Hay un buen equilibrio entre trama propiamente dicha e información histórica, aportando datos que para los amantes de la cultura oriental resultan de lo más interesantes a la vez que te transporta por la trama de lucha en lucha.

En general, la gente del período Heian, tanto mujeres como hombres, lloraban y reían abiertamente sin ocultar sus sentimientos. La consideración de que no mostrar el pensamiento y la actitud de uno suponía una virtud comenzó mucho más tarde, debido a la influencia del confucianismo y del bushido, ese riguroso código ético de los guerreros, en otros términos, del espíritu samurái.

Uno de los aspectos que pueblan las páginas de este libro es la nobleza de los personajes. La influencia de las doctrinas del budismo en la cultura nipona es palpable en prácticamente todos los sujetos que transitan la novela. Asumen su posición en el mundo y tratan de llevar a cabo su papel de la mejor forma posible. La creencia en el karma es muy potente, y ello les lleva a aceptar el destino que les es asignado.

Un gran ejemplo es una de las historias que se nos relatan: la historia de Asatori, el guardián de la fuente. El antiguo emperador Sutoku con tan solo 23 años fue obligado a abdicar del trono contra su voluntad y se retiró a vivir al Palacio Imperial de la Fuente del Sauce llevando una vida casi de ermitaño. En ocasiones, paseando por los jardines llegaba a la fuente que había junto a unos sauces y pedía agua al guardián de la fuente. Charlando con el guardián, este le cuenta que lleva guardando la fuente los mismos 14 años que lleva de retiro Sutoku, ya que dimitió de su anterior puesto en la corte para seguir a su señor en su obligado retiro. Dicho guardián provenía de buen linaje, de una familia de músicos de la corte. El antiguo emperador Sutoku no comprende por qué el guardián renunció a todo por ese puesto tan insignificante, a lo que el guardián le contesta que para nada es insignificante proteger el agua que sacia su sed. El antiguo emperador les hizo un valioso regalo en su regencia y su familia se vio en el deber de acompañarle en su retiro. Una preciosa historia sobre el valor de la lealtad.

Aunque está plagada de momentos geniales como este que os cuento, la historia no resulta fácil de leer. La cantidad de intérpretes que aparecen en la historia es ingente y a pesar de las guías de personajes es fácil perder el hilo sobre quién es quién y qué parentesco tiene con los que le rodean. Las regencias de los emperadores se suceden, hay ascensos de poder, cambios de era. Sin embargo es fácil dejarse llevar, no preocuparse demasiado sobre quién es quién en palacio y disfrutar con todo lo que nos aporta. La traducción de Rumi Sato es exquisita, con un texto que a pesar de su clasicismo es muy accesible, algo realmente importante a la hora de sentarse a leer un obra de estas características.

Testigos anónimos de una guerra interminable

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El nombre de Akiyuki Nosaka es poco reconocido entre la literatura japonesa traducida, sobretodo por la poca cantidad de obras que ha publicado y las aún menos que han llegado a nuestro país. Este autor es un autor producto de Hiroshima, un autor que vivió la guerra en sus propias carnes, hecho que se refleja en su narrativa y sus obras. Su experiencia durante su juventud en una ciudad arrasada por las bombas, en una familia rota por la vida, inspiró las dos historias que forman este libro. Los dos relatos de los que habla esta reseña, La tumba de las luciérnagas y Algas americanas, son dos obras que se complementan y que muestran las consecuencias, aunque de forma diferente, del mismo acontecimiento. Los dos relatos, publicados en 1967, levantaron mucha expectación al publicarse, por el duro tono de Nosaka. Acantilado en español y Quaderns Crema en catalán han editado ahora las dos historias en un formato conjunto. 

Estas dos historias narran de forma totalmente diferente un episodio que marcó a toda una nación y que marcó al mismo autor cuando era joven. El bombardeo que sufrió de pequeño es el mismo que viven los protagonistas y el mismo que vivieron miles de japoneses. Por un lado, tenemos la historia de Seita, un niño que muere de inanición en una estación sin que nadie intente ayudarlo y que ha perdido las ganas de vivir, después de haber visto morir a su hermana del mismo mal. La otra historia nos muestra a un superviviente de la guerra, Toshio, que tiene que acoger a dos americanos, dos seres para él de un mundo totalmente ajeno a él, en su casa. Esta llegada activará la melancolía de los viejos tiempos, con un tono claramente irónico.

Las dos historias hablan del mismo tema, de la pérdida que sufrió el país durante la guerra y también de la pérdida de una cultura que hasta el momento había sido fuerte y que después de la guerra se fue rompiendo. La confusión y la ruptura entre dos culturas está plasmada en muchas obras de grandes autores como Kenzaburo Oé o Yukio Mishima, pero la obra de Nosaka tiene un toque muy personal. Este cambio de cultura que sufrió Japón durante dos décadas y que se ve reflejado muchísimo en la literatura, fue un cambio tan abrupto que muchos de los japoneses no pudieron asumirlo. Estoy hablando por supuesto del paso a tener una figura divina a una democracia que se desmorona por el hambre y la vergüenza.

El tono de Nosaka es un tono despiadado que se divide en dos formas y que, de esa forma, nos cuenta la misma historia (aunque con rostros y nombres diferentes) con dos tonos totalmente opuestos. En la primera historia, La tumba de las luciérnagas, Nosaka nos relata la historia desgarradora de Seita con un tono casi indiferente, como si el mismo autor pudiera alejarse de los hechos y verlo todo desde un punto de vista externo, desde una ventana. Sin embargo, esa misma frialdad es la que ayuda a darle nombre y cara a Seita, la que ayuda a representar no solo a este personaje, sino a todas las víctimas anónimas que, como Seita, sufrieron las consecuencias de la guerra. Una historia con marcado tono autobibliográfico. Por otro lado, tenemos el tono satírico e irónico de Algas americanas, un cuento que nos narra la visita de un matrimonio americano a un Japón supuestamente recuperado. Los sentimientos contradictorios de Toshio, el protagonista, se mezclan en uno solo cuando recuerda esos días de guerra y contempla ahora un americano que, de joven, habría tomado por monstruo. La admiración y el rechazo van cogidos de la mano en toda la visita del americano y Toshio se deja llevar por la amargura de la derrota, escondida quizá, en el corazón de toda una nación, una amargura que no acaba de reconocer pero que lo acompaña durante toda la novela.

Ambos relatos, tan diferentes entre sí, se complementan a la perfección y aunque fueron publicados por separado, el acierto de juntarlos es ideal. El tono de Nosaka no deja de ser desgarrador, casi cruel, pero ideal para la historia que está contando. Una novela explícita, en la que Nosaka no hace intento alguno de esconder; Una novela rica en detalles patéticos, sin censura alguna. El reflejo de una sociedad que sufrió mucho más de lo que llegó a reconocer nunca, no solo por la muerte y el hambre que los asoló y que vemos en el primer relato, crudamente, sino también la derrota, la angustia de capitular el orgullo para sobrevivir. Su pluma es quizá confusa, pero extremadamente directa y concreta.

Tanto la edición en catalán (por Quaderns Crema) como la edición en español (por Acantilado) reúnen las dos historias en un solo libro. Las consecuencias de la guerra que tanto marcaron a Akiyuki Nosaka, pues perdió a sus dos hermanas (de una forma muy similar a la que Seita pierde a Setsuko) y a su padre adoptivo, son las mismas consecuencias que marcaron a millares de personas. Las mismas consecuencias, a largo plazo, que sufre Toshio ante la visita de aquellos que tanto detesta y que, a la vez, tanto asombra. Uno de los encantos especiales que tiene este libro es que Nosaka no recurre a la sensibilidad o a la moralidad como tan fácil habría sido hacer. No nos narra el dolor desgarrador de Seita desde un punto de vista interno ni aparta la complejidad de los sentimientos de Toshio por un simple sentimiento de venganza. La gracia de la obra de Nosaka es que está plagada de complejidad, de matices, y es por eso quizá un testimonio tan fiel de un episodio verdadero y terrorífico como fue la segunda guerra mundial. 

Las Piedras de Chihaya en la Universidad de Tokyo

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En la Universidad de Tokyo se ha inaugurado una exposición sobre obras de la literatura clásica que tratan temas militares como el ya conocido “Heike monogatari”. La exposición tiene como nombre “Las obras de la literatura clásicas de Japón, transmitidas y popularizadas” y prtende hacer un recorrido desde los orígenes el género bélico en la literatura clásica y cómo ha influenciado en la literatura contemporánea y a otros países los cuales han bebido de esta tradición para inspirar sus obras. Un autor español, Sergio Vega, tendrá su trilogía “Las piedras de Chihaya” en las vitrinas de dicha exposición, como un exponente de la distribución y popularización de este género literario desde la era Muromach hasta nuestros días.

Cartel de la exposición.

La exposición está dirigida por Takuma Wada, experto en historia medieval japonesa. Esta exposición tendrá lugar del 25 de agosto hasta el 2 de octubre en el propio museo de la universidad de Tokyo. El profesor Takuma se hace eco de la popularidad de la novela militar japonesa en España y por ello expone Las Piedras de Chihaya, ya que considera que un español ha colaborado en el proceso de globalización de este género. A nosotros solo nos queda felicitar al autor, Sergio Vega, por el enorme éxito.






 Nota: Todas las imágenes han sido cedidas por Sergio Vega.

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